ENPAP (European Network of Public Art Producers): Going Public-Telling it as it is?

Bilbao/Vitoria-Gasteiz, del 22 al 24 de marzo, 2012

2012. Simposio sobre arte publico. En varias localizaciones de la CAV

Desde la iniciativa de la ENPAP se organiza un simposio del 22 al 24 de marzo 2012 en diversas localizaciones de la Comunidad Autónoma Vasca (principalmente Bilbao y Vitoria-Gasteiz). Going Public - Telling it as it is? es un simposio de tres días dirigido a explorar el storytelling (la narración de historias) como forma de producción y recepción de obras de arte público. Cuenta con diversidad de artistas de dilatada trayectoria que participan con una serie de conferencias performativas y con proyectos artísticos de nueva producción localizados en la ciudad Bilbao y en los media locales. Cuenta también con un encuentro en Vitoria-Gasteiz donde se reunen profesionales del panorama del arte internacional (artistas, curators, productores/as…), invitados/as para debatir el futuro de la red ENPAP.

Going Public – Telling it as it is?: Martha Rosler (USA), Phil Collins (UK), Alex Reynolds (UK/ES), Itziar Barrio (ES/USA), María Ruido (ES),  Olof Olsson (SE), Falke Pisano (NL) & Francesco Pedraglio (IT), Asier Mendizabal (ES), Asli Cavusoglu (TR), Goldin + Senneby (SE), Patricia Esquivias (ES/VE), Jeleton (ES), OJO (USA), Institut Fatima (DE/ES), Begoña+La Jawara Djs (ES).

ENPAP - European Network of Public Art Producers se creó en 2009 y reúne seis organizaciones de arte que comparten una afinidad por expandir la noción del arte público. Su objetivo principal es promover la actitud crítica en la práctica del comisionado de arte público, para lo cual intercambia conocimientos, desarrolla nuevos métodos de trabajo, establece un vocabulario común para nuevas formas de producción y se compromete públicamente con el arte contemporáneo. 

BAC-Baltic Art Center (Visby/Suecia) www.balticartcenter.com; consonni (Bilbao) www.consonni.org; Mossutställningar  (Stockholm / Suecia) www.mossutstallningar.com; Situations, University of the West of England (Bristol/Reino Unido) www.situations.org.uk; SKOR | Foundation for Art and Public Domain (Amsterdam/Holanda) www.skor.nl y Vector Association (Iasi/Rumania) www.periferic.org.

Del 8 al 11 de noviembre de 2011, estas seis organizaciones visitaron Bilbao. Conocieron así de primera mano el trabajo y modo de producción principalmente de consonni pero también de otras organizaciones y agentes del contexto vasco (artistas, curators, instituciones...) con el fin de estar al corriente de la complejidad de distintas prácticas artísticas existentes así como las distintas políticas culturales que lo afectan.

ENPAP cuenta con el apoyo de: Programa Cultural de la Unión Europea, The Foundation for the Culture of the Future, “2012 Euskadi, Año de las Culturas por la Paz y la Libertad”, Diputación Foral de Bizkaia y Ayuntamiento de Bilbao. También participan Donostia 2016, Stockholm Arts Council, The Swedish Arts Council, SKOR | Foundation Art and Public Domain y Romanian Cultural Institute.

El programa de Bilbao y Vitoria-Gasteiz es posible gracias a la colaboración de BizBAK UPV/EHU, Centro Museo ARTIUM, Museo de Reproducciones de Bilbao, Teatro Arriaga, Berria, El Correo y EITB.

Intrahistorias del proyecto

 

 

PROGRAMA y ARTISTAS Going Public – Telling it as it is? 

Simposium sobre arte público del 22 al 24 de marzo de 2012

 

Going Public -Telling it as it is? video resumen from consonni on Vimeo.

 

22 de marzo, Localizar el Relato en la Ciudad, Bilbao. Imágenes

Entre otras propuestas, se invitó a artistas de renombre como Martha Rosler y Phil Collins a intervenir en periódicos de divulgación general y tirada local. El 22 de Marzo El Correo y Berria cedieron una página para que el/la artista pudiera usarlo como un espacio para la intervención artística. Estos artistas, visitantes ocasionales de la ciudad de Bilbao, tienen dilatada experiencia en analizar los medios de comunicación, en generar relatos, reactivar la historia… Martha Rosler propone una creación caricaturesca que critica el poder que sobre Europa tiene el dúo bautizado como ‘Mercozy’, y que viene a representar la tiranía económica de Alemania y Francia.

Intervención de Martha Rosler (USA) en el periódico local El Correo

Nacida en Brooklyn, Nueva York, la artista Martha Rosler se licenció en BBAA en Brooklyn College y realizó el Master de BBAA en la Universidad de California, San Diego. Rosler trabaja principalmente con imágenes y textos, instalaciones y performance para estudiar temática social. Rosler ha publicado diversos libros de fotografía, textos y crónicas en espacios públicos. Su trabajo ha sido expuesto en Whitney Biennials, Institute of Contemporary Art en Londres, Museum of Modern Art en Nueva York, Venice Biennale, Liverpool Biennial, Singapur Biennale, Istanbul Biennial, and otros muchos eventos. Sus textos han sido publicados en revistas como Artforum y Afterimage. www.martharosler.net/   

Intervención de Phil Collins (UK) en el periódico local Berria

El arte de Phil Collins investiga la relación ambivalente con la cámara tanto como instrumento de atracción y manipulación, como de revelación y vergüenza. A menudo trabaja dentro de las formas de televisión de bajo presupuesto y el documental para hacer frente a la discrepancia entre la realidad y sus representaciones. En sus proyectos, Collins crea situaciones impredecibles y su compromiso irreverente e íntimo con sus temas - un proceso que él describe como 'un ciclo de ninguna redención' - es tan importante para su práctica como la presentación final en la galería.

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We could have had it all de Itziar Barrio (ES/USA)

Plaza y Teatro Arriaga 

Itziar Barrio a través del proyecto “We could have had it all”, asimila diferentes fenómenos: el “people's mic” como fórmula de protesta popular en plazas públicas ante la prohibición de usar altavoces (Occupy Wall Street); la cristalización de mitos contemporáneos en conciertos multitudinarios donde estrellas del pop invitan a su público a continuar sus canciones (Adele) y una forma de comunicación ancestral preteatral (bertsolarismo). En todos estos casos, la amplificación de la voz y la repetición es una constante. El micrófono aparece en todas estas manifestaciones como objeto prohibido y/o deseado. Un instrumento de poder: para arrebatar, otorgar, compartir. Es este aparato erguido el que permite precisamente la amplificación y repetición de voces, pensamientos, ideas, y sintonías, convirtiéndose el micrófono en símbolo de esfera pública y de transmisión de relato. 

Desde la exclamación “we could have had it all // dena eduki genezake”, la frustración, el deseo y las luchas sociales salen a la luz. Dos storytellers con herramientas narrativas e idiomas propios (inglés y euskera) van desvelando una historia oculta, ficcional o no, verosímil o no. Así Chavisa Woods, escritora norteamericana y la bertsolari Maialen Lujanbio forman parte del proceso de creación del proyecto, a través de un diálogo figurado entre ambas, siendo productoras y protagonistas al mismo tiempo de este relato. 

El proyecto se significa fragmentando una pieza audiovisual. Audio e imagen en movimiento, separados, procuran un diálogo frustrado. La voz se queda en la Plaza del Arriaga como tantas otras veces como comienzo y final de innumerables manifestaciones y protestas. La imagen entra y se sitúa en el escenario ante el patio de butacas. Lo audio-visual, lo cinematográfico-teatral, el fuera y el dentro, espacio publico y privado. La dicotomía y el díptico son claves formales de la propuesta pero también del lenguaje, siendo éste lo que predominantemente se utilice para resolver, entender y crear un conflicto. Siempre hay conflicto, ya que siempre hay lenguaje.

Nacida en Bilbao en 1976, Itziar Barrio vive y trabaja actualmente en Nueva York. Itziar Barrio es una artista multimedia que combina diferentes disciplinas artísticas como son el dibujo, el video, la fotografía y la instalación. Su trabajo se basa en que la realidad es una construcción siempre siendo recreada y en que el lenguaje es pensamiento. Así intenta sacar a la luz cuestiones tanto sociales y políticas como la tendencia de la mente humana a crear iconos y signos asociados con su entorno y de los efectos que estas asociaciones tienen en la sociedad. www.itziarbarrio.com

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Boom de Alex Reynolds (UK/ES)

Escaparate de un videoclub en desuso (Zabalbide, 34 / Fika 26)(entrada gratuita)

Buena parte de lo que vemos en una película no tienen su sonido real. El artista de foley o efectista de sala, se dedica a recrear sonidos para el cine a través de un minucioso trabajo donde vuelve a grabar los pasos, golpes, o gestos, realizados a partir de objetos que aparentemente nada tienen que ver con la imagen a las que finalmente se les asocia para así enfatizar una acción y crear sensaciones en el espectador/a.

El 22 de marzo la artista Alex Reynolds con su proyecto BOOM propone convertir un escaparate en una pantalla de cine invertida. Una serie de artistas foley profesionales (Alex F. Capilla, Alejandro López y Rico Boix) amplifican el sonido de pequeños detalles de la cotidianidad visibles a través del escaparate. En el barrio de Santutxu, en el local cerrado de un antiguo videoclub, en vez de maniquíes, mercadería u oficinas, el público puede ver tres profesionales con sus instrumentos y herramientas de trabajo interpretando y sonorizando la realidad. Al entrar en el local y mirar el exterior desde esa misma pantalla/escaparate, el público descubre la banda sonora que se recrea a tiempo real.

Alex Reynolds (Bilbao, 1978) cursó sus estudios en Bellas Artes en Central Saint Martins, Londres. Vive y trabaja en Berlín. En los últimos años, Alex Reynolds ha realizado una serie de proyectos de base temporal, abordando el aspecto experiencial de la obra, y cómo el espectador se sitúa en relación a distintas narrativas. Para ello trabaja con estructuras provenientes del mundo del cine, insertándolas en espacios o tiempos que no le corresponden. La presencia del público en sus trabajos contribuye a un efecto de estratificación donde la experiencia, interpretadas en diferido, se convierte, casi forzosamente, en parte de la obra. http://www.alexreynolds.net/

Proyección de la película ElectroClass de María Ruido (ES) a través de ETB3

Museo de Reproducciones (San Francisco, 14) 

Electroclass es un proyecto audiovisual de la artista María Ruido producido por consonni, que se materializa en un film compuesto por 7 capítulos de 7 minutos, basado en la noción de desmontaje televisivo de ETB en colisión con otros materiales audiovisuales.

ElectroClass es una película sobre los imaginarios del trabajo elaborados por de la televisión autonómica en el estado español desde los años 80. Tomando el archivo de ETB como material de base y a la ciudad de Bilbao como caso de estudio concreto, ElectroClass reflexiona sobre la disolución del concepto de clase trabajadora tradicional, sobre los cambios en nuestras condiciones de trabajo desde el capitalismo industrial al capitalismo cognitivo y la terciarización, y sobre la radical transformación de la ciudad 'polis' en la 'marca Bilbao”.

Para contextualizar este trabajo de desmontaje y de manera transversal al proyecto, se ha desarrollado una investigación paralela a través de más de 20 entrevistas, así como una programación de cine y vídeo dentro de Zinebi 53 Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao, y un seminario: ARTISTS KILLED MEDIA STARS en colaboración con AlhóndigaBilbao y Bizbak UPV/EHU.

La semana del 19 al 25 de marzo se emiten los 7 capítulos por separado en ETB3 y el 22 de marzo a las 22:30h se emite en ETB3 el film completo a modo de colofón del proyecto ElectroClass, y a partir de ese día se puede visionar la película en ETB a la carta, en la web de ETB.

María Ruido es artista, productora cultural e investigadora. Desde 1996 viene desarrollando diversos proyectos interdisciplinares sobre la elaboración social del cuerpo y la(s) identidad(es), así como sobre las formas del trabajo y sobre la construcción de la memoria colectiva y personal, fundamentalmente a través del vídeo y la escritura. Actualmente vive entre Madrid y Barcelona, donde es profesora en el Departamento de Imagen de la Universitat de Barcelona. www.workandwords.net

 

23 Marzo, Conferencias Performativas, BizBAK UPV/EHU, (Abandoibarra, 3) Bilbao. Imágenes

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Asier Mendizabal (ES)

Asier Mendizabal (Ordizia, Guipúzcoa, 1973) presta atención a las relaciones entre forma, discurso e ideología. Su práctica puede ser descrita como una crítica de la ideología a partir de la puesta en escena de las estructuras que le dan forma. A través de los campos expandidos del arte, la música rock, el cine, la política y la teoría, su mirada sobre las estructuras sociales le lleva a esbozar un mapa de la totalidad de las relaciones de producción. Este acercamiento multidisciplinar y transversal de Asier Mendizabal toca de lleno en las dificultades de representación de lo político así como en los huecos entre la actividad artística y el «inconsciente político» presente en las producciones culturales, manifestaciones de lo colectivo y movimientos de masas. http://the-artists.org/artist/mendizabal-asier

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Falke Pisano (NL) & Francesco Pedraglio (IT)

Falke Pisano (Amsterdam 1978, vive y trabaja en Berlín) ha ido desarrollando una serie de obras reunidas bajo el título de “Figures of speech” (figuras del discurso). Esta serie de obras pueden ser descritas como el resultado de un análisis exhaustivo del proceso que transcurre cuando los “objetos” cambian su forma, su materialidad; es decir, la descripción, la comprensión, el rol... Basándose, principalmente, en la escritura de la práctica performativa –la formulación y reformulación de las ideas- estos trabajos involucran un intercambio de lenguajes, ideas y formas. La transformación/transferencia de un lenguaje a otro a menudo implica un cambio de estatus y de reflexión hacia el contexto.

Francesco Pedraglio es artista, escritor y cofundador de FormContent. A través de pequeñas-historias, performances e instalaciones, su trabajo reflexiona sobre el mecanismo de la narración de relatos. Escribiendo en un idioma extranjero, se enfrenta al objetivo de “dar sentido” a esa historia que está siendo contada en frente de un público.

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Olof Olsson (SE)

Olof Olsson es fruto del ambiente turístico de la década de 1960 en Mallorca, del encuentro entre su madre (holandesa) y padre (sueco). Olof, en su juventud hizo intentos, con mayor o menor éxito, por adentrarse en el mundo del periodismo, la fotografía documental y como DJ en una radio. En los 90 Olof comienza a estudiar Bellas Artes. Desde el 2007 su trabajo se centra principalmente en la palabra oral y realiza conferencias, discursos, comedias, shows y sesiones de preguntas y respuestas.

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Goldin + Senneby (SE)

Goldin+Senneby (since 2004) es el equipo artístico formado por Simon Goldin y Senneby Jacob desde 2004 que centra su mundo creativo en la exploración de las construcciones jurídicas, financieras y espaciales a través de fórmulas preformativas y virtuales. Su primer trabajo en colaboración fue The Port (2004-06), un proyecto que se accionaba en un emergente espacio público construido por medio del código digital.

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Patricia Esquivias (VE/ES)

La artista nacida en Venezuela, crea sus trabajos videográficos uniendo imágenes encontradas, historias y anécdotas personales y las convierte en narraciones vinculadas con la cultura contemporánea. Esquivias actúa como narradora en estas viñetas, en la que presenta los clips de videos, las revistas, fotografías, dibujos y otros pequeños objetos en directo a través de su ordenador, una cámara y su propia voz. Las conexiones que Esquivias crea en sus videos son a menudo idiosincráticas y difíciles de localizar, ofreciendo al espectador una oportunidad para la contemplación y el descubrimiento.

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Asli Cavusoglu (TR)

Asli Cavusoglu cuenta con la colaboración de la iglesia nigeriana 'Hand of God' de Bilbao que a través de un coro de Gospel desvelan la oculta pero real motivación de la historia de la esposa de Lot, una mujer - un personaje de la biblia que se transformó en estatua de sal como castigo por mirar atrás en la divina destrucción de su casa en lugar de huir de ello - a través de un encantamiento musical entusiasta y heterodoxo.

Asli Cavusoglu es una artista preocupada por cómo la historia es interpretada con el fin de cuestionar que agentes la procesan, la crean/construyen, permitiendo su permanencia. Estas investigaciones, que se formulan a través del sentido que proporcionan los diferentes medios, se centran en la relación que se produce entre los conceptos de ruptura-continuidad, tomando conciencia de los procesos de construcción y reconstrucción de las identidades. http://aslicavusoglu.info/

 

Relatos expandidos, Pabellón6 ZAWP (Ribera de Deusto, 47) Bilbao.

Performance de Jeleton (ES)

Los integrantes de Jeleton desarrollamos proyectos transversales en torno a repertorios iconográficos, musicales y literarios como espacios de negociación común. Proponemos modos de estudio, encuentro, práctica autodidacta y la publicación de resultados provisionales para el debate, en los que la autoría pase por situaciones de inexperiencia, humor o apropiación. Las piezas resultantes están disgregadas en el espacio, el tiempo y los canales de distribución, lo que dificulta su desactivación por parte del contexto de presentación. http://www.jeleton.com/

Turntable piece E-N-P-A-P

Turntable quiere decir “tocadiscos” pero también “mesa giratoria” o “alternador de turnos”. Las “Turntable pieces” son ejercicios sobre cómo se puede performar un disco de vinilo, cómo reactivar la situación de escucha o recepción de un mensaje pregrabado. Hablando con los discos, leyéndoles textos, manipulándolos mediante “scratch”.

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Performance de OJO (USA)

OJO es un grupo formado por la colaboración de artistas y músicos formado por Joshua Aster, Chris Avitabile, Juan Capistran, Justin Cole, Moises Medina, Eamon Ore-Giron y Brenna Youngblood. OJO ofrece música experimental que se adentra en ritmos armónicos y trascendentales grupales. Uno de los objetivos principales de OJO es la de eliminar la barrera que tradicionalmente se genera entre el público y los performers, de manera que cuando uno se adentra en la performance se convierte instantáneamente en un miembro de la 'banda'. La forma en que esto se consigue es mediante la construcción de composiciones que incluyen sencillos gestos musicales, tales como aplaudir, silbar, cantar, etc. http://ojoojo.com/

Concierto de Institut Fatima (DE/ES)

Institut For Advanced Technologies In Music and Arts, corto Institut Fatima. Este es el proyecto que fundaron hace 3 años Paul Rose y Carsten Galle, dos barceloneses alemanes, ya amigos sonoros desde hace más de una decada. Componen, cantan, copian y comunican música electrónica con un toque ameno, interdisciplinario y experimental. Pioneros del “baile fiducial”, abren sus puertas hacia otras disciplinas como la moda, el cine, la arquitectura o la exploración espacial. http://www.institutfatima.org/

Begoña + La Jawara Dj-s (ES)

 

24 Marzo, ENPAP Caucus, Debate sobre la Futura Network, ARTIUM museum (Francia, 24), Vitoria-Gasteiz. Imágenes

Stella d’Ailly (Mossutställningar, SE), Alicia Miller (Experta en artes visuales, UK), Claire Doherty (Situations, UK) y Tati Freeke-Suwarganda (SKOR | Foundation for Art and Public Domain, NL). Sesión cerrada para profesionales invitados trabajando dentro del campo del arte en el ámbito público.

ENPAP (European Network of Public Art Producers): Going Public-Telling it as it is?

Hemeroteca

La 2 (TVE), 4 de mayo del 2012

Para todos La 2

Participantes: Blanca Fernandez Quesada, Antoni Remesar, Santiago de Santiago y María Mur Dean
http://www.rtve.es/alacarta/videos/para-todos-la-2/para-todos-2-debate-arte-espaciocalle/1395015/

A*DESK, 23 de abril de 2012

Haizea Barcenilla

(...) Bajo el título de 'Going public, telling it as it is?' la red europea de productores de arte público ENPAP presentó en Bilbao su primer programa público. Un título narrativo, con una serie de implicaciones que desvelan las líneas de trabajo (...)

FRIEZE, 4 de abril de 2012

Roland Jones

(...) The European Network of Public Art Producers (ENPAP) held their first symposium on public art, entitled ‘Going Public: Telling It As It Is?’ (...)

DEIA, 26 de marzo de 2012

Ana Urkiza

(...) 'Aski ezaguna da 'artea azaldu beharrik gabeko lengoaia' dela dioen esapidea. Eta arte garaikidearen kasuan (batez ere, pinturak eta eskulturak), artelanak 'sentitzeko eta hunkitzeko' direla entzun izan ohi dugu. (...)

EL CORREO, 22 de marzo de 2012

K. Dominguez and M. Zarate

(...) 'Los organizadores han estimado que la mejormanera de explicar y
hacer llegar al público el trabajo realizado en los últimos años es, directamente,
llevarlo a la práctica' (...)

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